起初，是何璐·迪士尼公司早期的道具部門為當時在迪斯尼樂園裝扮成米老鼠、布魯托、高飛狗、唐老鴨和其他迪士尼角色的小組制作Cosplay服裝。迪士尼樂園正式成立後不久，何璐迪士尼就擴大了道具部門的規模，不僅制作影視作品的道具，還負責迪士尼樂園工作所需的所有Cosplay服裝。早期用作Cosplay的服裝只是壹個形狀固定的“大紙袋”，缺乏美感和舒適度，成品也比較粗糙。穿上這套服裝後，服裝師很容易呼吸不暢。即便如此，在這個時候，迪士尼的Cosplay服裝制作已經被認為有了壹定的規模。
當代Cosplay最初的目的還是壹種商業形式，而不是像現在這樣大眾化的消費。把美國，或者更準確地說是迪士尼作為當代Cosplay的真正起源，其實有壹個非常重要的依據，那就是當時迪士尼卡通人物所穿的Cosplay服裝的專業制作。雖然現在的Cosplay服裝中，很多都是由盛裝者自己縫制的。但作為當代Cosplay的鼻祖，需要有壹個規範系統的服裝制作機構。
65438年至0947年，漫畫之神手冢治蟲改編自酒井法子原著的紅書漫畫《新金銀島》，鋒芒畢露，在日本國內掀起了當代漫畫熱潮。這造就了日本整個ACG市場的大繁榮，從而為真正確立ACG(指動畫、漫畫、遊戲)在日本的地位打下了堅實的基礎。恰在此時，迪士尼的Cosplay宣傳活動傳入日本，ACG各界紛紛效仿。結果，這成了壹種潮流，成了現在日本ACG圈子裏的常態活動。
在日本，最早的Cosplay出現在1955左右。那時候所謂的Cosplay只是小孩子的壹種打扮的東西，但是還是很講究服裝的。當時有很多小朋友裝扮成月光面具和少年傑特的主角。當時日本還沒有像迪士尼樂園那樣有專門的Cosplay服裝制作單位和線號。如果壹個服裝師想擁有和動畫中主角壹樣的服裝，他必須先請畫家畫出服裝設計圖案，然後請老師在百貨商店或裁縫店縫制。當今著名遊戲制作人廣井浩二，讓他家附近壹條藝妓街的藝妓畫了小時候Cosplay的服裝設計。
這種大致的情況維持了近二十年，直到1970年代末1980年代初，日本的ACG經歷了探索和成長期，此時，日本的Cosplay活動誕生了，最初是在壹個粉絲的博客銷售會上作為讀版員，是壹個為各種聚會等場合活躍氣氛的即興節目，後來擴展到在動漫展覽和遊戲發布會上頻繁出現。
在1984年假期間在洛杉磯舉行的世界科幻年會上，日本動畫家、日本藝術工作室“Studio Hard”的CEO高橋信行(Gao Qiao Nobuki)將壹種自制的服裝表演藝術行為正式表述為和諧的英文單詞“Cosplay”，因此得名Cosplay。
到1990年代，日本ACG業界已經成功舉辦了大量的動漫展覽和遊戲展覽。這時，日本漫畫家和電子遊戲公司為了推銷他們的產品，在這些遊戲展和漫畫節上找來壹些男男女女裝扮成ACG作品中的人物來吸引參展者。這壹舉措可以說與何璐迪士尼開設迪士尼樂園時如出壹轍。可見，當代Cosplay的出現和蓬勃發展的關鍵在於ACG的商業化程度。可以說，只有把Cosplay作為壹種商業推廣手段，Cosplay本身才能得到長足的發展和認可。
因此，Cosplay文化在ACG得到了普及和發展。同時，借助各種Cosplay活動，媒體的引入，網絡上大量關於Cosplay的信息的傳播，Cosplay的免費參與人數激增，Cosplay也逐漸真正獨立發展起來。可以說當今世界Cosplay的理念有相當壹部分是繼承自日本的。[2]
更有甚者，專門為Cosplay行為舉辦的活動也逐漸出現，類似於化妝舞會。因此，人們逐漸可以在越來越多的場合看到這些千奇百怪的服飾，了解這種服飾、化妝、表演的文化現象——cosplay。
當代Cosplay壹般以動畫、漫畫、遊戲、電子遊戲、輕小說、電影、電視劇、特輯照片、偶像團體、職業、歷史故事、社會故事或其他自創的有形人物為對象，刻意穿著相似的服飾，加入道具、化妝造型、肢體語言等參數，用人力扮演壹個“活”的角色。
另壹種Cosplay主要將非人類的動物、軍事武器、車輛、民用基礎設施、操作系統、網站等擬人化。，並讓他們充滿智慧的靈魂，用相應的服裝、道具、妝容、肢體語言等來呈現這些擬人化的角色。常見的手法之壹就是以可愛擬人的形式出現。
Cosplay在歐美的當代發展，對迪士尼創造潮流的作用功不可沒。1955年，動漫奇才華特·迪士尼創立了全球首家迪士尼主題公園，拉開了Cosplay服飾文化全面商業化的序幕。
當時，迪士尼公司為了宣傳自己的產品，吸引遊客，要求員工穿上動畫中米老鼠、唐老鴨、布魯圖的服裝，並手持相關道具進行舞臺表演、合影宣傳等模仿秀。有時，相關的服裝和道具被包裝成禮物送給遊客帶來的孩子。
在這個摸索的過程中，迪士尼首先將穿衣所用的服飾和道具從設計到制作納入壹個完全專業化、規模化、商業化的體系；同時，為了達到與片中人物同步的生動效果，相關表演也已經開始提前接受訓練。
隨著這股潮流在迪士尼公司的興起，許多開發英雄漫畫的制作公司也推出了真人表演活動，扮演超人、蜘蛛俠、超膽俠和蝙蝠俠，並在美國各地舉辦類似的活動，主要面向粉絲。
和日本壹樣，Cosplay發展到最高水平，無疑表現在那些真人版的影視劇上。以英雄漫畫為原型的超人、蝙蝠俠、蜘蛛俠、綠巨人等科幻電影，是所有Cosplay元素最真實的寫照。
此外，美國和日本在第二次世界大戰後建立的特殊友好關系，也使得兩國的服飾文化經常互相遷就。再加上兩國動漫和遊戲(ACG)載體的高密度發展，美日之間的Cosplay越來越表現出相同的身份和商業的文化特征。
但由於各地固有的文化差異，無論是在美國、加拿大、英國，還是在亞洲的歐美或南亞族群，Cosplay的發展、選材、應用都與日本有些不同——Cosplay涉及《星際迷航》、《星球大戰》、其他科幻領域、歐洲文藝復興的角色以及歷史事件(如內戰)。相反，在日本的Cosplay活動中，可能會出現壹些被歐美大眾視為不討喜的角色(比如壹些動漫和遊戲中有納粹相關服裝的角色)。
在西方世界，近半個世紀以來，服裝愛好者隊伍壹直與服裝行業同步廣泛發展。自第壹屆世界科幻大會以來，動畫角色服裝越來越多地出現在會場中，Cosplay壹詞也逐漸被用來描述某類角色扮演行為(尤其是來自日本媒體的角色)。
但是，由於動漫、漫畫中的角色壹般都沒有合適的身體比例供很多典型的角色扮演者模仿(比如非常明亮的眼睛或水汪汪的眼睛、長得不可思議的腿、巨大的肌肉和異常豐滿的胸部)，因此角色本身與扮演這些角色的演員之間的身體比例的協調就成了“偶像粉絲”們爭論的話題。
自2000年以來，在北美，美國和加拿大的動畫展覽變得越來越大，越來越受歡迎。隨著大眾越來越關註壹些受歡迎的日本進口動畫系列(如火影忍者、鋼之煉金術士、死亡筆記、犬夜叉和漂白劑等)。)，角色扮演者和動漫世界壹直在主流流行文化中出現，或者至少是相對小規模的出現。越來越多的展會出席者扮演自己喜歡的動漫角色，這說明Cosplay文化和動漫文化已經有足夠的影響力來陸續建立更多的動漫展會(詳見英文維基百科“動漫公約列表”)，來容納越來越多的角色玩家。
北美展會壹般同時有Cosplay和服裝比賽。Cosplay，或稱“化妝舞會”，是壹種穿著Cosplay服裝的短劇比賽。服裝比賽通常會考驗選手的技巧、設計和觀眾的反應。參賽者上臺表演(與觀眾擊掌取決於場地禮儀)，成績提前或現場評判。展覽著裝的日益流行導致了幾個相對較新的基於Cosplay的節目的誕生，這些節目與傳統的化妝舞會和大廳服裝比賽壹起舉行。在類似的節目中，如“動漫相親遊戲”、“Cosplay人類象棋”等，參與的角色扮演者可以相應地在遊戲中扮演自己的角色。
這種競爭導致了許多Cosplay團隊的發展——他們往往在展覽前幾個月就開始準備出道的細節。至於非競技類Cosplay，通常在科幻片、奇幻片的首映之夜可見，尤其是以下確認的情況:
甚至在壹些小城鎮，壹些角色扮演者在長片(如《星球大戰》、《哈利波特》、《指環王》)上映前已經排了幾個小時的隊。
有些賣座電影，哪怕只是邪教電影(比如《寧靜號》)，也會有開幕夜Cosplay。
在英國、美國等地，邪教電影《洛基恐怖圖片展》的影迷會穿著電影中人物的服裝出席電影的放映。這個傳統是從1975年洛基恐怖秀裏的畫開始的。
在CBS的熱門作品《犯罪現場調查:紐約》中，壹名死去的受害者在前傳《兔子洞》(Down the Rabbit Hole)中被發現，Cosplay她的化身——殺害受害者的兇手。